Historia de la música: Período Barroco

Categoría: Música

En el siglo XVII, el barroco dominaba en todas las formas del arte, y por supuesto en la música. En ésta trajo notables cambios como el nacimiento de nuevas formas de música profana y religiosa, tales como la ópera y el oratorio; la música instrumental se desarrolló y alcanzó la misma importancia que la coral; y surgió una música nueva que dio preeminencia a la melodía sola con un acompañamiento armónico, oponiéndose de este modo a la polifonía.

NACEN LA OPERA Y EL ORATORIO

La ópera fue creada en Florencia en las postrimerías del siglo XVI. Con ella se desarrolló un estilo musical nuevo, modelado sobre las palabras para que el texto pudiera ser inteligible y destinado a una sola voz. De esta forma nació el estilo monódico con el recitativo o declamación. Jacopo Peri (1561-1633) escribió en 1597 una composición llamada Dafne, a la que calificó de "drama para música". Esta fue la primera obra teatral de la Historia a la que se le puso música, y por lo tanto es la ópera más antigua que se conoce.

La música religiosa también experimentó un cambio significativo en este período del barroco. Los coros a capella terminaron convirtiéndose en formas más amplias, que demandaron recitativos, solos, dúos, acompañamientos de orquesta e interludios orquestales. Aparecieron el oratorio, la Pasión y la cantata.

El oratorio fue creado en las postrimerías del siglo XVI por San Felipe Neri. Más tarde, con Giácomo Carissimi (1605-1674), el oratorio se transformó notablemente y Haendel, que estudió sus obras, recibió toda la influencia de este gran artista. Carissimi fue también el creador de la cantata religiosa. Comprendiendo que ciertas iglesias carecían de las facilidades necesarias para representar oratorios, resolvió crear una obra similar, pero de características más modestas y sin tanto despliegue de fuerzas. La cantata religiosa fue perfeccionada por Dietrich Buxtehude y alcanzó la cumbre con Juan Sebastián Bach.

La Pasión (relato de la Pascua según los Evangelios, representada en forma dramático - musical) ha sido una tradición establecida en la Iglesia durante siglos. En el siglo XVII la Pasión se vio afectada por el perfeccionamiento del oratorio, y se le intercalaron solos, números corales y recitativos. Heinrich Schutz fue uno de los más grandes compositores de Pasiones antes de Bach.

MUSICA INSTRUMENTAL

La primera música instrumental fue escrita para el órgano, y el primero de sus grandes compositores fue Girólamo Frescobaldi. Este músico cristalizó algunas de las principales formas para el órgano: la tocata, la fuga y la partita.

Frescobaldi fue uno de los compositores del siglo XVII que logró independizar los instrumentos musicales de la voz humana, dándoles a aquellos la importancia que tienen hoy en día.

Simultáneamente con el progreso de la música para órgano se desarrolló la música para otros instrumentos. Y tal como ocurrió con el órgano, fue visible la tendencia a imitar la música vocal. No pasó mucho tiempo, sin embargo, antes de que el concepto sobre la naturaleza instrumental cobrara vida.

En ese momento se empezó a emplear la palabra sonata, aplicándola a una pieza musical que debía sonar o ser tocada por instrumentos (no se la debe confundir con la sonata posterior) y que se construía en torno a un instrumento solista con acompañamientos. Las primeras sonatas fueron compuestas en la forma llamada sonata de chiesa, precursora de la ulterior sonata. La segunda forma, sonata de camera, estaba compuesta por un grupo de danzas y fue predecesora de la suite.

El primer maestro de la sonata de chiesa fue Arcángelo Corelli, el más grande virtuoso del violín de su época y el primer gran compositor para ese instrumento.

Arcangelo Corelli nace el 17 de febrero de 1653 en Fusignano (Italia). Corelli estudió durante cuatro años en Bolonia con Giovanni Benvenuti y Leonardo Brugnoli y asimiló el espíritu de los músicos de la ciudad, pero después se trasladó a Roma, donde pasó la mayor parte de su vida. En Roma alcanzará gran fama como violinista y perfeccionará su técnica compositiva. Fue protegido por la reina Cristina de Suecia. Será considerado el representante por excelencia del "concerto grosso". Escribió doce sonatas en trío (sonate da chiesa), Once sonate da camera en trío y una chacona, doce sonate da chiesa en trío, doce sonate da camera en trío, doce sonatas a solo (seis da chiesa, cinco da camera y una serie de variaciones) y doce concerti grossi, publicados en 1714 pero compuestos antes de 1700.

Arcangelo Corelli, compositor y violinista italiano.

Hay que decir que, en muchas ocasiones, la única diferencia de una obra da camera y da chiesa era que en las primeras era frecuente que se mostrase el nombre de la danza que inspiraba el ritmo de la obra y, en la segunda, no, quizás porque, al estar destinada a un espacio religioso, se exigía un cierto decoro, aunque sólo fuera semántico. Un aspecto curioso de Corelli es que nunca compusiera música para voz, algo nada frecuente en su época.

La obra de Corelli que hizo época fue su opus 5, en el cual se reúnen doce sonatas para violín con acompañamiento. Debido a la influencia de Corelli la música instrumenal comenzó a florecer en Inglaterra, Francia y Alemania. La música de Corelli ejerció una gran influencia en los compositores alemanes, especialmente en Bach y Händel. Fue maestro de varios compositores y violinistas importantes del siglo XVIII, entre ellos el italiano Francesco Geminiani. Corelli puede ser considerado como el fundador de la escuela clásica del violín. Muere en Roma el 8 de enero de 1713, y está enterrado en el panteón de la iglesia de Santa María della Rotonda.

Pero el mayor perfeccionamiento de la música instrumental en general y del concierto en particular se obtuvo con Antonio Vivaldi. Nació el 4 de marzo de 1678 en Venecia, y fue bautizado provisionalmente en su casa, aunque no se conoce con certeza, el bautismo inmediato del niño fue probablemente debido o bien a su mal estado de salud o a un terremoto que sacudió la ciudad ese día. El bautismo oficial en la iglesia de San Giovanni in Bragora, fue dos meses después. Este músico aventajó a Corelli al establecer la forma del concerto como lo conocemos hoy día, confiriéndole a un tiempo claridad de diseño y solidez de estructura. Vivaldi ejerció profunda influencia en Juan Sebastián Bach, y se puede apreciar claramente en los conciertos de Bach para solistas y orquesta el efecto que le causó la música de Vivaldi.

Vivaldi Antonio Vivaldi

La fama del músico alcanzó la cúspide en el meridiano de su vida con la publicación de sus más importantes colecciones instrumentales: Il cimento dell'armonia e dell'inventione Op. 8 y La cetra Op. 9. La primera colección, publicada en Ámsterdam en 1725, contenía un total de doce conciertos y se iniciaba con el conjunto de cuatro conciertos con violín solista titulado Las cuatro estaciones, los mejores de la colección y los más célebres de su obra. A fines de la década de 1730 el público veneciano empezó a mostrar menor interés por su música, por lo que Vivaldi decidió en 1741 probar fortuna en Viena, donde murió de una «infección interna» durante la noche del 27 al 28 de julio de 1741, a la edad de 63 años en la más absoluta pobreza.

No mucho tiempo después que Corelli publicara su primer opus, fue escrita la primera sonata para piano solo (para decirlo con más exactitud, fue escrita para el antepasado del piano, el clave). La compuso Johann Kuhnau y constituyó un acontecimiento importante en la historia de la música y fue la primera vez que se utilizó el nombre de sonata para designarla.

El principal compositor de sonatas para clave después de Kuhnau fue Doménico Scarlatti. Hizo hablar a este instrumento un idioma más fresco y más variado que el del pasado. Hizo conocer nuevas técnicas para la ejecución, como escalas, arpegios y cruzamiento de manos. Su música no sólo sobrevive por esto, sino por su gran riqueza armónica.

Doménico Scarlatti introdujo dos modificaciones importantes en el estilo italiano de concebir la ópera: la obertura italiana y el aria llamada "da capo"

Nació en Nápoles, el viernes 26 de octubre de 1685, (el mismo año en que nacen J. S. Bach y Haendel en Alemania), ocupa el sexto lugar de entre los diez hijos que tuvo el matrimonio formado por Alessandro Scarlatti y Antonia Anzalone. Su padre era un famoso y prestigioso músico, maestro de capilla al servicio del Virrey de Nápoles Don Gaspar de Haro.

Sus composiciones para teclado, denominadas sonatas, son todas piezas breves. Sus 555 sonatas conocidas de clavicordio, las cuales más de la mitad fueron escritas durante los últimos seis años de su vida, lo mostraron como el innovador más original de armonía del siglo XVIII. Compuso óperas, música religiosa y obras instrumentales. Los últimos años de Scarlatti son de absoluta discreción. Se retira al servicio de una antigua discípula, dedicando toda su atención a la creación musical para instrumentos de teclado. El maestro fallece en Madrid, en su domicilio privado de la calle Leganitos, el 23 de julio de 1757. Poco tiempo después los monarcas concedían una pensión a sus hijos más jóvenes.

Referencia:

Período barroco. (s.f.). Icarito, (35), 8-9.